Los 10 principales errores del principiante con Ableton Live

Estaba yo este fin de semana en casa de Manu Biomechanikal, amigo y productor y, precisamente me comentaba alguno de los errores que se suelen cometer con Ableton Live, ya en casa, recibo un mail de una academia de audio donde tambien se comentan algunos de los típicos errores que se suelen cometer, así que me e decidido a publicarlo en este blog, pues acabo de recordar que, no hace mucho, alguien me comentaba que tenía abandonado Ableton Live, no solo no lo e abandonado, si no que incluso voy a darle mas cancha que nunca…se avecinan nuevos cambios en el blog…it’s time to revolutions baby…¡¡¡

Por cierto, la academia que me envió el mail es esta, Audiobits Academia de informática musical, están en Barcelona y tal vez a alguno de los lectores le interese…

Hoy os queremos mostrar los típicos errores cometidos por personas poco iniciadas en Ableton Live. Esta lista de errores no es específica para Ableton Live, se puede aplicar a la producción musical en general. No están listados en un orden específico, y tampoco pretenden ser el Top 10. Son errores observados entre la gente a lo largo de los años, y sin duda, errores que he hecho yo también. Si estás empezando con Ableton Live o con la producción musical en general, te serán de gran ayuda.

 

1. Asumir que el “auto-warping” de Ableton funcionará a la perfección.

Error bastante común, y bastante grave al trabajar con Ableton ya que es excelente para hacer warp de loops (deformar el tiempo) sin demasiados problemas (siempre que el loop ya esté bien creado), pero una canción completa es una cuestión completamente diferente.

Ver que hay una opción llamada “auto-warp” pero que no sincroniza la canción perfectamente con el tempo, puede confundir bastante.

Esta función ahorra un montón de trabajo, pero es el productor el que debe afinarlo todo para que quede perfecto al 100%. Recordar este concepto es uno de los puntos más importantes para llegar a dominar y dar rienda suelta al 95% de las verdaderas capacidades de Ableton.

Algunos videos para empezar:

Para Ableton 8:

[youtube width=”530″ height=”380″]http://www.youtube.com/watch?v=waLeq8-2UBo[/youtube]

Para versiones anteriores de Ableton:

[youtube width=”530″ height=”380″]http://www.youtube.com/watch?v=JddbTkyKVTE[/youtube]

[youtube width=”530″ height=”380″]http://www.youtube.com/watch?v=7AbfMe5Tklo[/youtube]

2. Grabar partes en la misma pista, tanto en las ventanas de vista sesión como la de vista arrangement.

Otro error común entre las personas que están empezando con Ableton es asumir que la ventana de vista session (la ventana con todos los cuadros para clips y escenas, también el lugar del mezclador), y la ventana de vista arrangement (la ventana más parecida al resto de software de audio) son entidades separadas.

Por ejemplo, tenemos un clip “audio 1” en la ventana de vista session, pero “audio 1” está vacío en la ventana de vista arrange. Si es nuestra primera vez con Ableton, solemos dar por asumido que también se puede grabar en la ventana de vista arrangement. Gran error.

En seguida veremos que una de las partes deja de reproducir. La razón de esto es muy sencilla: hemos puesto dos partes en el mismo track al mismo tiempo.

Hasta que no entendamos cómo se entrelazan las ventanas de session y arrangement, no entenderemos completamente el proceso. La única regla a seguir es la siguiente:

1 instrumento por pista / track

Pensemos en cada clip de cada pista (audio o midi) como la representación de lo que hace cada instrumento en las diferentes secciones de la canción.

Por ejemplo, un clip puede ser para la intro, otro para la estrofa, otro para el puente, y otro para el estribillo.

Si hemos programado una caja de ritmos alguna vez, podremos comparar los clips con los patrones de una caja de ritmos. Cuando queramos encadenar estos patrones con el objetivo de hacer la canción completa, tendremos que hacerlo en la ventana de vista arrangement.

Si estamos grabando algo de principio a fin (por ejemplo, una toma de voz entera), también lo grabaremos en la ventana de vista arrangement. Hay que recordar que al final de la sesión, todo necesitará ir a la ventana de vista arrangement antes de mezclar la canción.

Si estamos haciendo los arreglos de nuestros instrumentos a partir de loops, o grabando partes separadas de nuestra canción, para arreglarlas después (como el caso de las baterías), lo mejor es empezar en la ventana de sesión, y después unir las partes en la ventana de vista arrangement.

*Un apunte: Algunos dirán que se puede hacer todo en la ventana de vista arrangement, algo que no es incorrecto del todo, pero sugerimos aprender los fundamentos de ambas ventanas, y después decidir cuál funciona mejor para cada uno.

Vídeo para ayudar a entender el concepto más fácilmente:

[youtube width=”530″ height=”380″]http://www.youtube.com/watch?v=IZBVeNGU6_U[/youtube]

3. Demasiados loops / partes luchando por las mismas frecuencias.

Si estamos construyendo la canción a partir de loops y samples, es fácil caer en el error de pensar que a más loops, más complejidad tendrá la canción. Esta es una afirmación correcta a medias. Es cierto que sumar capas puede dar a la canción más complejidad y profundidad, pero tendremos el inconveniente de hacer la composición confusa, desafinada o plana.

Cuando escojamos loops, debemos estar alerta con las frecuencias que luchen entre ellas. Es recomendable usar un analizador de espectros. Ableton 8 incluye uno, si estamos usando una versión anterior, podemos usar este plugin gratuito:

BS – SpectrumVst

4. No eliminar frecuencias innecesarias.

Siguiendo con el tema de la ecualización y las frecuencias, es realmente importante recordar cuál es la parte más importante de un instrumento, y recortar las frecuencias que no sean necesarias. No necesitaremos 2 o 3 partes reproduciendo un bombo. Necesitaremos escoger cuál tiene los mejores bajos (graves) y quitar los graves de los otros loops. Pasa igual con las frecuencias altas. Si queremos que nuestros charles queden limpios, quitaremos los agudos de otras pistas. Para la caja y la percusión en las frecuencias medias, atenuaremos algunas frecuencias para que cada parte tenga su propio espacio y no suene confuso. La música popular, en la mayoría de casos, no tiene muchos componentes en una frecuencia dada y ninguno en el resto. Todo está balanceado, y eso es lo que buscamos. El objetivo de este post no es explicar cómo afrontar todas las ecualizaciones sino fijarse si las canciones no suenan tan bien como habíamos esperado. Este vídeo da ideas básicas:

[youtube width=”530″ height=”380″]http://www.youtube.com/watch?v=AGFzYh_C7to[/youtube]

También podemos leer este post: http://www.musicsoftwaretraining.com/blog/?p=38

5. No arreglar tus canciones en múltiplos de 4.

Si una persona está familiarizándose con el uso de Ableton o con la producción musical en general, es recomendable que escriba en compases de 4/4, aunque ya sepa que existen infinidad de compases más allá del 4/4. Es mejor empezar a escribir con compases 4/4 que con estructuras de tiempo complejas.

En la mayoría de música popular, y especialmente en la música de clubs, se escribe todo en múltiples de 4 compases. Por ejemplo, si tenemos una estrofa de 7 compases en lugar de 8, y saltamos al estribillo, es bastante probable que todo suene mal. La música suena natural con múltiplos de 4. Es preferible no volverse enrevesado hasta que no se domine a la perfección este punto. Una vez que sepamos “cómo deben sonar las canciones”, podremos empezar a cambiar el tempo para crear tensión.

6. Escribir la canción y diseñar el sonido en la misma sesión.

No es recomendable perder el tiempo intentando conseguir  ESE sonido justo en el momento en que tenemos una melodía o un una línea de bajo en la cabeza. Al cabo de un rato, cuando hayas conseguido ese maravilloso sonido, la melodía ya habrá volado de tu cabeza y habrás perdido la idea original que te inspiró. Es mejor trabajar con una plantilla de sonidos o presets que te funcionen bien, y retocar el sonido después, cuando la idea en bruto ya está grabada.

Para entrar más en profundidad en el tema : http://www.musicsoftwaretraining.com/blog/?p=31

7. Añadir partes para compensar otras que suenan mal.

Cada parte de una canción debe aguantarse por sí misma. No debe sonar cutre cuando la haces sonar por sí sola. Es cierto que a veces se necesitan un par de capas para conseguir una determinada línea de bajo lo cual es una práctica totalmente lícita, además muchas veces es lo recomendable, pero al finalizar la sesión lo mejor es tener una sola pista de bajo, de bombo, etc.

Si nos encontramos añadiendo una melodía encima de otra melodía para que suene mejor en conjunto, lo mejor que podemos hacer es rehacer la melodía.

Debemos asegurarnos de que las baterías, pads, melodías y vocales suenen bien por sí mismas. Estaremos más concentrados si podemos separar la canción en 6-8 elementos, que si estamos añadiendo demasiados elementos. Podemos acabar con más de 40 tracks en nuestra canción, pero está claro que queremos que estén sonando todos a la vez.

Si tenemos tres melodías diferentes, intentaremos que en un momento dado de la canción solo suene una. Incluso en las canciones complejas las melodías suenan limpias y simples, con espacio vacío entre cada parte. Si ponemos un CD al azar y escuchamos cuántos elementos están sonando en un momento preciso, veremos que los encontraremos fácilmente, cada uno con su propio espacio.

Cuantos menos elementos suenen en nuestra canción, más “grande” será el sonido. Por esta razón en una banda como Nirvana, con tres elementos, cada instrumento suena monumental.

Al crear música, independientemente del estilo, estamos limitados a un determinado rango de frecuencias. Si hay partes luchando por la misma frecuencia, tendrán que sacrificar algo para ajustarse a la mezcla.

Otra manera de acercarse a la producción de una canción es preguntarse a uno mismo “¿Qué frecuencia quiero llenar ahora?”, para ello utilizaremos un analizador de espectro para ver qué tenemos en cada rango. Si tenemos dos partes que nos gustan, pero que cogen las mismas frecuencias, quizás podamos subir una octava arriba o abajo, así la parte tendrá su propio rango. Una vez que se haya completado el espectro, se puede comprobar la fuerza de cada elemento antes de añadir capas adicionales.

8. Demasiadas opciones.

Tener demasiados instrumentos y plugins donde elegir puede convertirse en un desperdicio de tiempo y energía si no nos hemos confeccionado una colección básica.

Es preferible tener pocos instrumentos y plugins básicos que conozcamos bien, que tener cientos con los que no estamos familiarizados. Si usamos software que no dominemos reduciremos la velocidad y nuestros resultados serán de calidad baja.

Escoge 4 o 5 sintetizadores (o menos), 2 compresores, 2 o 3 reverbs, un par de delays, etc. Después tómate algún tiempo para averiguar en qué es bueno cada uno de ellos y construye algunos presets básicos. Esto hará las cosas más fáciles y conseguiremos antes el sonido que  buscamos.

Está bien tener miles de plugins en el arsenal, pero es mejor saber lo que hace cada uno antes de empezar el proceso de composición.

Antes de que llegaran los plugins gratuitos y los ordenadores rápidos, había que espabilarse con el equipo que teníamos. Con estas limitaciones, era más fácil crear música, en vez de jugar con todos los juguetes de la tienda de juguetes.

Otra cosa con la que nos encontraremos cuando nos encontremos cómodos con cierto equipamiento es que las limitaciones se convertirán en nuestro sonido y le darán cierta consistencia. ¡Corre a hacer tu colección básica lo antes posible!

9. No hacer plantillas.

Las plantillas son una salvación a la hora de componer. Cuando tenemos una configuración que funciona bien con nuestra configuración de efectos preferida o envíos/retorno, kits de batería, sintetizadores, etc. debemos guardarla como una plantilla o arrastrarla a nuestros presets para usarla posteriormente. Esto nos ahorrará mucho tiempo cuando queramos reutilizar este sonido.

Explorar la configuración de presets requiere tiempo, y puede distraernos de nuestro objetivo: ir al grano con nuestras ideas cuando estamos inspirados.

Las plantillas nos ofrecerán una configuración básica a partir de nuestra colección básica. También las podremos hacer y usar para diferentes estilos de música. Tener varias opciones donde escoger nos permitirá tenerlo todo listo en cualquier momento, independientemente del estado de ánimo creativo en el que nos encontremos.

10. Usar muestras de baja calidad.

Utilizar muestras de baja calidad con la intención de “arreglarlas durante la mezcla” es otro gran error. Muchos artistas son famosos por el uso de sonidos poco óptimos para crear grandes efectos, pero hay que asegurarse de que funcionan para una canción en particular. También debemos evitar construir una pista a partir de unos cuantos sonidos de calidad baja.

Si tenemos que aplicar toneladas de efectos y EQ para que suene decente, es mejor buscar un sonido de mayor calidad, que contenga la mayoría de señal buscada desde el principio. Por ejemplo, un bombo que no tiene graves desde el principio nunca sonará profundo, con garra y profesional.

Si usamos solo un sonido de calidad baja en el total de la canción, la diferencia no será muy notable, pero si llenamos la canción de sonidos de este tipo, se hará muy evidente en la calidad general de la canción.

No es recomendable el uso de mp3 de calidad. En términos generales el mínimo a aceptar es de 16 bits 44.1 KHz. Si nuestro equipo puede con 24 bits de grabación a 96 kbps se notará la diferencia, solamente hay que controlar el espacio en el disco duro. En la mayoría de proyectos se suele usar 16 bits y da buenos resultados.

Nota: Este artículo es una traducción del original de Jason Ward, del blog musicsoftwaretraining.com. Podéis leer el original aquí,